Liste de 9 commentaire sur le theatre

Introduction

« Rien de plus futile, de plus faux, de plus vain, de plus nécessaire que le théâtre » – Louis Jouvet

Le genre théâtral compose une grande partie de la Littérature, et ce, depuis l’antiquité jusqu’à aujourd’hui. Le théâtre, qu’il soit lu ou représenté présente une spécificité : il peut être argumentatif ou polémique entre autres. Le théâtre est une forme vivante de littérature, qui se prête à défendre des idées, de par ses dialogues qui peuvent adopter une forme argumentative, et par sa double énonciation.

Il permet ainsi une opposition à certaines idées de façon plus ou moins détournée et est accessible à tous. Mais le théâtre n’est pas lu ou écouté de façon assez attentive, tournée vers les arguments de l’auteur. En effet, le théâtre se présente comme un divertissement.

De plus l’auteur doit faire face à la censure et aux malentendus avec les spectateurs. Les pièces mettent souvent en scène des conflits : les conflits comiques se révoltent en rires, les conflits tragiques exigent le plus souvent la mort du personnage principal.

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Le genre théâtral : un support idéal pour s’exprimer ?

Un support idéal pour défendre des idées

Pour l’auteur le théâtre se présente comme un support idéal pour présenter et défendre ses idées par sa forme propre permettant d’utiliser le registre polémique, et la double-énonciation (le personnage ou acteur s’adresse non seulement aux autres personnages présents sur scène, faisant avancer l’intrigue, mais aussi au spectateur).

A travers cette forme, il peut se permettre une opposition plus ou moins importante face à la société puisqu’il parle à travers un personnage. Enfin, le théâtre est accessible à tous, et permet une spectaculaire propagation des idées, par support écrit et surtout oral.

La double énonciation permet à l’auteur de s’impliquer d’avantage dans ses propos : une opposition plus ou moins importante à la société lui est permise. Il emploie un moyen détourné en impliquant ses idées dans la tirade d’un de ses personnages.

Les monologues, notamment, permettent une réflexion plus profonde sur la société, puisque le personnage est face à lui-même ( et au spectateur ) : Longue tirade de Figaro dans Le Mariage de Figaro qui conteste l’ordre sociale.

Un autre avantage du théâtre semble être sa facilité d’accès à la majorité de la population : se propageant par deux modes, et principalement par celui qui consiste à être représenté. Le théâtre s’ouvre à un public plus large. Les idées de l’auteur peuvent ainsi être mieux répandues.

L’observation des pièces de Molière confirme cet aspect. Molière – grand dramaturge et comédien – a crée un grand nombre de comédies-critiques où il montre les défauts de la société. L’Avare de par son genre, une comédie classique, se rend accessible aisément et les spectateurs ont ainsi accès aux idées de Molière, à ses critiques.

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Un support peut être pas si idéal ?

Le théâtre n’est peut être pas un support si idéal pour exposer des idées : le spectateur peut ne pas les prendre au sérieux voire pire, ne pas les comprendre : les pièces peuvent être censurées. Les pièces de Molière comiques sont sensibles vis-à-vis du lecteur. Les rires fusent durant la représentation, les pièces aux intrigues faciles sont très compréhensibles.

Mais qu’en est-il des idées transmises ? Celles-ci peuvent ne pas être prises au sérieux, et l’histoire peut supplanter la critique. L’Avare est ainsi une pièce ambiguë pour la transmission des idées. Retiendra-t-on plus le ridicule du personnage d’Harpagon ou la morale transmise par l’histoire sur l’avarice ?

Les auteurs en critiquant trop ouvertement les défauts, en s’attaquant plus à des groupes de la société que d’autres, peuvent être censurés : leurs pièces ne peuvent être représentés avant qu’ils n’en aient modifié des extraits voire le livre entier : Le Mariage de Figaro qui a eu des problèmes de censure.

Le livre remet en cause l’ordre social, attaque la justice et dénonce la condition injuste des femmes. Non seulement l’auteur doit craindre de n’être pas assez explicite, et qu’ainsi les spectateurs ne perçoivent pas le message, d’être au contraire trop explicite, prenant le risque d’être censuré, mais il doit aussi se méfier du lecteur qui peut ne pas comprendre le point de vue de l’auteur et faire des erreurs d’interprétation.

Les vertus du monologue

Le monologue permet d’exprimer de manière intense des conflits sur scène. En effet, seule en scène, à l’abri des oreilles des autres personnages, le héros peut tout dire, il peut dévoiler ses secrets les plus intimes. Ainsi, grâce au monologue, le spectateur connaît la vérité sur le personnage et saisit mieux les véritables conflits de la pièce.

Lorsque le rideau se lève, le spectateur de Le Malade Imaginaire, comédie grinçante de Molière, découvre Argon, écumant de colère et de rage contre ses médecins qui ne le soignent pas suffisamment, sa famille qui l’abandonne, ses domestiques qui font preuve de négligence.

Cet excès révèle au public que le véritable conflit dans la pièce n’est pas la lutte d’un malade, abandonné de tous, pour survivre, mais la lutte d’un homme contre lui-même, la lutte d’un homme malade de solitude contre sa santé vigoureuse malgré tout.

Le spectateur, dans cette relation privilégiée avec le héros, hésite ainsi entre le rire moqueur et la pitié. Le monologue peut donc exprimer des conflits individuels ou collectifs, établit un rapport privilégié entre le personnage et le public.

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Les vertus du dialogue

La forme du dialogue théâtral offre au dramaturge la possibilité de multiplier les points de vue, et ainsi de donner un meilleur éclairage sur un conflit. Le spectateur peut en effet se faire une plus juste opinion du conflit qui oppose les personnages.

Ainsi dans Antigone, Ismène et sa sœur présentent un portrait antagoniste et radicalement différent de leur oncle Créon. Ismène voit en son oncle un être puissant et soumis aux lois du pouvoir tandis qu’Antigone nie son pouvoir en le rendant inexistant dans ses répliques.

On voit donc s’établir un conflit entre une âme soumise et faible et une femme forte et libre. La confrontation des deux personnages met à jour leur caractère et interdit au spectateur d’adhérer pleinement au discours de l’un ou de l’autre, il garde ici ses distances et adopte la position du juge.

Le théâtre doit présenter les hommes tels qui sont par souci de vérité ps
ychologique, parce que le comique est souvent fondé sur le réalisme, pour que le public en tire des enseignement.

Le théâtre peut aussi présenter les hommes tels qu’ils devraient être car seuls les héros font rêver, pour élever moralement, pour changer le monde. Le théâtre semble présenter les hommes tels qu’ils ne devraient pas être : en suscitant la terreur et la pitié dans la tragédie, en nous montrant des caricatures d’hommes en particulier dans la comédie.

Les éléments importants au théâtre

La voix

La parole postée par la voix de l’acteur permet de rendre compte de la violence des conflits. En effet, la voix ne fait pas seulement entendre les mots, elle fait entendre une excitation, une tension, un hésitation… Un soupir, une voix qui se casse soudain en un sanglot, un cri de gorge en disent aussi long que certaines répliques.

Ainsi, dans L’Île des Esclaves, Arlequin conclut une de ses répliques à Iphicrate de manière assez banale : la phrase à alors force de menace pour Iphicrate, dont on comprend alors le geste désespéré. Ainsi, l’oralisation des répliques met en évidence la force des conflits qui trouve en elle toute leur signification.

Le geste

Le geste peut également soutenir un affrontement, surtout lorsqu’il met en scène plusieurs personnages. Dans Roméo et Juliette de Shakespeare, une scène oppose Roméo à Tybalt : les deux personnages, représentant de deux familles qui se haïssent depuis plusieurs générations, se font face avant de s’affronter dans un duel équipe où Tybalt trouve finalement la mort.

Le conflit central de la pièce s’exprime dans les paroles de haine, mais aussi et surtout dans la violence des corps, dans des images qui suscitent l’émotion du spectateur. Le gestuelle dont la compréhension est quasiment universelle, rend au conflit, qui sur le papier pouvait apparaître abstrait, sa violence immédiate.

Les costumes

Les costumes portés par les acteurs sur scène peuvent immédiatement signifier et faire voir des tensions ou conflits entre personnages. Ce ne sont pas ici les mots qui traduisent et expriment la querelle mais l’apparence même des personnages.

Dans Les Mains Sales de Sartre, pourquoi ne pas imaginer le jeune Hugo, vêtu de fripes un peu élimées, qui diraient son goût de l’idéal et son détachement des contingences matérielles, tandis que Hoederer pourrait porter un costume trois pièces aux couleurs strictes et arborer une décoration sur la poitrine, pour signifier qu’il est un emblème du pouvoir et de l’ordre établi ?

Cet antagonisme dans les tenues montrerait mieux que tous les discours, peut-être, combien les visions du monde de ces personnages s’opposent.

Les accessoires

Les objets permettent de visualiser un conflit qui ne peut s’exprimer dans la parole ou dans les gestes. Dans En Attendant Godot de Samuel Beckett, Lucky, esclave privé de toute humanité et partant de toute parole ne peut pas exprimer ses sentiments, mais la corde qu’il a au cou suffit à susciter la révolte de Vladimir et d’Estragon et celle du public, à instaurer un conflit entre les défenseurs de l’humanité et ceux qui l’accablent. Ainsi, les éléments matériels de la représentation contribuent également à la mise en scène et à la mise en valeur des conflits.

L’illusion théâtrale

Le jeu des acteurs, lorsqu’il annule la distance entre le personnage et la personne, peut servir l’illusion. Il y a alors une confusion entre le lieu de la représentation et la réalité. Cette perte de repère génère l’illusion. Ainsi, il y a confusion entre le personnage et la personne.

En effet, les acteurs jouent avec naturel, en se servant de leur expérience émotionnelle pour jouer. Il s’inspire donc directement de leur vécu. Le théâtre joue sur l’identification entre le spectateur et l’acteur. Effectivement, au premier abord, ce qui emporte l’adhésion du spectateur, est ce qui copie la réalité.

Les acteurs interprètent des sentiments et des passions universelles qui ont déjà été éprouvés par le spectateur. Le théâtre pour créer l’illusion, joue avec la mise en scène de conflits et de problématiques réels. L’illusion vient aussi du fait que le théâtre expose des problématiques sociales ou politiques inspirées directement du réel. L’acteur met alors son jeu au service des conflits, inhérents aux hommes.

Les éléments auditifs

Le spectacle est majoritairement constitué d’éléments visuels mais il comporte aussi des éléments auditifs. La musique et les bruitages peuvent également préciser l’ambiance de la pièce. Le sentiments est tout à fait différent lorsqu’on est présent dans une salle et qu’on assiste à une représentation. Elle permet d’avoir une vision différente de la pièce, par le regard du metteur en scène.

Les grandes figures du théâtre

Le théâtre antique

« La vie est pièce de théâtre : ce qui compte, ce n’est pas qu’elle dure longtemps, mais qu’elle soit bien jouée » – Sénèque

La dramaturgie est née en Grèce ancienne et plusieurs auteurs l’ont élevé au rang d’art. Parmi eux, il faut évidemment évoquer les tragiques grecs que sont Eschyle, Sophocle et Euripide. Leurs œuvres, qui étaient en grande majorité des tragédies, sont des références du théâtre.

Aristophane est également un grand nom du théâtre grec antique, mais cette fois-ci dans le registre de la comédie. Les Romains reprendront cet art comique avec des dramaturges comme Plaute et Térence, tandis que Sénèque s’illustre plus dans la tragédie.

Parmi les œuvres célèbres, nous pouvons citer :

• L’Orestie (Eschyle),
• Les Perses (Eschyle),
• Œdipe Roi (Sophocle),
• Antigone (Sophocle),
• Electre (Sophocle),
• Médée (Euripide),
• Andromaque (Euripide),
• Les Nuées (Aristophane),
• Les Oiseaux (Aristophane),
• Amphitryon (Plaute),
• Heautontimoroumenos (Térence),
• Les Adelphes (Térence),
• Hercule Furieux (Sénèque).

La période médiévale n’est pas sans auteurs de théâtre mais ne comporte que peu de noms célèbres. Parmi eux, nous pouvons citer Rutebeuf, Arnoul Gréban et Marguerite de Navarre pour la France.

Le théâtre moderne

La période moderne a vu le théâtre entrer dans son heure de gloire partout en Europe et notamment en Angleterre, puis en France. La référence incontestable du théâtre élisabéthain est William Shakespeare (Roméo et Juliette, Hamlet, Macbeth, Le Songe d’une Nuit d’Eté, etc.) mais nous pouvons également citer son rival Ben Jonson (Volpone, L’Alchimiste, et
c.).

Le XVIIème siècle marque l’arrivée en force des dramaturges français, à commencer par Molière (L’Ecole des Femmes, Dom Juan, L’Avare, Tartuffe, Les Fourberies de Scapin, Le Malade Imaginaire, etc.), mais également Pierre Corneille (L’Illusion Comique, Le Cid, etc.) et Jean Racine (Andromaque, Britannicus, Iphigénie, etc.).

C’est bien Molière qui occupe une place extrêmement importante dans la culture française, à tel point que l’on parle de « langue de Molière » !

Au XVIIIème siècle, le théâtre se développe partout en Europe, que ce soit en France (Beaumarchais, Diderot, Scribe, De Vigny), en Italie (Goldoni, Gozzi, Alfieri) ou en Allemagne (Lessing, Goethe, Schiller) et dans bien d’autres pays.

Le théâtre contemporain

A partir du XIXème siècle et jusqu’au XXIème siècle, les auteurs de théâtre sont très nombreux et de toutes les nationalités. Pour la France, nous pouvons citer Hugo, mais aussi Dumas (père), Musset, puis au XXème siècle Giraudoux, Guitry, Cocteau, Ionesco, Anouilh et Duras, entre autres.

Au XIXème siècle, on voit apparaître des grands noms de la dramaturgie dans l’Empire Russe, comme Gogol et Tchekhov alors que l’Angleterre se fait plus discrète au profit de l’Irlande avec Wilde, Shaw puis Beckett au XXème siècle.

Le théâtre grandit également dans le monde entier au XXème siècle et notamment aux Etats-Unis avec Williams ainsi qu’au Japon avec Mishima !

Pour terminer, voici un tableau récapitulatif des plus grands dramaturges de tous les temps :

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